Abstracte kunst en abstracte schilderijen - een panoramisch uitzicht gecultiveerd met mysterie, gedijen op waarachtigheid

Abstracte kunst en abstracte schilderijen - een panoramisch uitzicht gecultiveerd met mysterie, gedijen op waarachtigheid

VOORWOORD

Ik herinner me een tijdje geleden dat ik voor een zeer urgente situatie stond die mijn onmiddellijke aandacht vereiste. Ik werd live geïnterviewd, op een groot televisiestation op primetime, en ik liet een reeks van mijn dia's zien in verband met de opening van een kunsttentoonstelling. Zodra ze me bedraadden en me op het podium plaatsten, en slechts een paar minuten voordat ze live gingen, fluisterde de zeer charmante heer, die me zou interviewen, het volgende: 'Ik heb geen idee wat ik je moet vragen, Wat stel jij voor?" Ik zei: geen probleem, als je me maar 3 simpele vragen stelt, zal ik de rest afhandelen. Hij was opgelucht en schreef snel de vragen op. Het groene licht ging aan, we gingen live en sloten een vlekkeloos en succesvol interview af. Buiten de camera kwam de crew met een brede glimlach het podium op en erkende ons allebei;

ESTHETIEK DEFINIËREN

Esthetiek als verzameling principes en tak van filosofie behandelt vragen over schoonheid en artistieke ervaringen. Voor zover ons algemene begrip ervan betreft, is het een zeer vaag veld, onderhevig aan enorme misinterpretaties, vooral op het gebied van abstracte kunst. Op elk gebied van de geesteswetenschappen waar minder nauwkeurig bekend is over dat gebied en de principes ervan niet precies zijn geformuleerd, hoe autoritairder het veld wordt. Op het gebied van kunst, zonder dat de exacte basisprincipes nauwkeurig zijn ontwikkeld, staan de technieken en benaderingen wijd open voor de kunstenaars om hun kunst voor te stellen, te verkennen en te creëren.

De kunstenaar is ook onderworpen aan de 'wetten' van de handel, waar verschillende scholen van uiteenlopende meningen de kunstenaar beginnen te 'leren' hoe 'een kunstenaar te zijn en op een bepaalde manier te schilderen, daarbij verwijzend naar de critici van het veld in overvloed terwijl ze luistert met een openhartige blik. kaak in plaats van reden. De 'autoriteiten' op het gebied van beeldende kunst, van wie de meesten zelf nooit schilderijen hebben geschilderd, maar erg 'vloeiend' en 'gecultiveerd' zijn doordat ze enkele standaardopvattingen en artistieke werken en projecten van humanitaire aard hebben onthouden, analyseren de schilderijen voor de kunstenaar bij elke stap, elke keer dat de kunstenaar een stuk van haar kunst ter kritiek presenteert, voornamelijk om te ontdekken wat er mis is met haar kunst en hoe ze het zou moeten repareren volgens het merk van deze "professoren".

Ik geef toe dat ik hier een beetje generalisatie heb gemaakt om een punt te maken; maar doet iets hiervan een echte belletje rinkelen voor jou? Kun je een kunstenaar bedenken waarvan je weet wie er op dit schip is of geweest is? Ik heb het allemaal meegemaakt en overleefd, in het vertrouwen en in de overtuiging dat er een logische en meer verzorgende manier moest zijn om fantasierijke impulsen te bevrijden, zodat de kunstenaar zo vrij kon schilderen als hij wilde. Iets in mij vertelde me dat er iets inherent niet helemaal klopte met de constructieve kritiek die ons zou 'leren' hoe we onze eigen kunstwereld kunnen zien, door de ogen van de 'critici', excuseer mij, de professoren. Ik had deze 'school van denken' gezien als een autoritaire lesmethode die de gedachten, emoties of inspanningen van de kunstenaar verstikte, maar ik kon het probleem dat ik op dat moment aanvoelde niet goed onder woorden brengen.

Kunstenaars worden er vaak 'beschuldigd' van met hun hoofd in de wolken te zijn, en te leven in een onwerkelijke wereld van verbeeldingskracht. Dit brengt de noodzaak met zich mee om goed en grondig te kijken naar hoe de realiteit bijt. Als we door verschillende vakgebieden zoeken op zoek naar een hulpmiddel om de esthetiek en de scheppingsprocessen te meten, kunnen we met lege handen achterblijven, totdat we ons uitgeven op het gebied van filosofie om onze gedachten en redeneringen te onderzoeken.

DE KUNST VAN DENKEN EN REDENEN

Denken en redeneren is voor de meeste mensen een sociale activiteit. Ze vereisen de inzet van externe krachten, aangezien het individu evenzeer deel uitmaakt van de samenleving als de samenleving een deel is van het individu. Vanaf het moment van geboorte is het sociale labyrint van gebruiken, overtuigingen, talen, waarden, religies, politiek en andere traditionele ideeën allemaal goed gepositioneerd om het kind te vormen naar het beeld van degenen met wie het kind is omringd, en dat is grondig gebaseerd op geloof en overtuiging. De operatie is zo meesterlijk in de samenleving ingeprent als sociale erfelijkheid dat zelfs de wetenschap het vaak als genetisch heeft aangezien.

De Engelse filosoof en auteur Francis Bacon (1561-1626), en een andere Engelse filosoof en wiskundige Issac Newton (1642-1727), en anderen hebben manieren van denken en redeneren ontwikkeld die een feit vereisen om bewezen te worden, gemeten, gevoeld of ervaren. En als we dit in het rijk van de geest en de geest steken, merken we dat onze bereidheid verminderd is bij het accepteren van feiten die op geloof of overtuiging zijn gebaseerd.

Om deze reden betekent het waarderen van het leven en het creëren van iets erin, zoals kunst, het zoeken naar antwoorden en oplossingen die buiten onze eigen voelende kwaliteiten, intellect of ervaringen liggen, het concept van onze eigen waarheid, waarden en individualiteit verliezen. En de kunstenaar draagt heel vaak de dupe van deze filosofie van 'onafhankelijk denken' en wordt vaak bekritiseerd door degenen die een stevige grip hebben op de tradities van de status quo.

Maar de kunstenaar gaat verder, wetende waar de wortels van kritiek liggen, en redenen waarom mensen die hun toevlucht nemen tot 'kritiek' opereren in afwezigheid van echt begrip, en aangezien geen kennis kan bestaan zonder begrip, komen we bij de aanwezigheid van "onwetendheid." Het kennen van de basis en het mechanisme achter kritiek dient dus vaak als een geweldige bron van empowerment en troost voor de kunstenaar om door te gaan met zijn kunst op grond van zekerheid en kennis van haar kunst en te overstijgen door de hoogste echelons van cultuur genaamd: esthetiek. !

Bacon was tot de conclusie gekomen dat geen enkel studiegebied op zichzelf voldoende is bij afwezigheid van een andere vorm van discipline die buiten hem ligt om deze af te stemmen en te coördineren in de richting van zijn doel. We kunnen verder uitwerken dat het niet mogelijk is om een pad goed te bewandelen als de bestemming niet is gedefinieerd. Om daarom vrij te blijven van de gronden van mythen, mystiek en oppervlakkige benaderingen, kunnen we een kijkje nemen en zien hoe de kunst het beste kan worden gediend door haar doel te definiëren onder de brede paraplu van filosofie die alle kunsten, wetenschappen en geesteswetenschappen omvat.

Net zoals het onmogelijk is om een volledig zicht op een landschap te hebben door op een van de rotsblokken onder een boom te zitten, moet elk veld van inspanning, om volledig te worden begrepen, worden bekeken en geanalyseerd vanaf een grond die veel hoger ligt dan waar het ontkiemt. Dus op het gebied van beeldende kunst kunnen we de geïsoleerde gegevens van een abstract schilderij niet uit hun verband bekijken zonder rekening te houden met het bestaan ervan binnen de reikwijdte van een leven dat de kunst bevat. Bacon zegt, dat zou zijn om een kaars te gebruiken om een kamer te verlichten die met daglicht wordt verlicht.

KUNST IS COMMUNICATIE

We genieten allemaal van en verlangen naar een aangenaam gesprek met onze medewerkers, vrienden en familie. Maar als we onze omgeving bekijken en inspecteren, merken we dat de overgrote meerderheid van onze bevolking moeite heeft met communiceren. Er vindt een tweerichtingscommunicatie plaats, wanneer we vrijelijk onze gedachten of ideeën aan elkaar kunnen initiëren, elkaar erkennen en deze interactie voortzetten, heen en weer, door door te gaan met het delen van onze gedachten en ideeën, vergelijkbaar met een vriendschappelijk spel van tennis; waarbij het terugslaan van de bal afhankelijk is van de kwaliteit van de opslag.

Er zijn momenten waarop we een communicatiebreuk opmerken, wanneer een van de partijen op zijn beurt er niet in slaagt een gedachte of een impuls terug te erkennen en op gang te brengen, het gesprek voort te zetten of een optimale conclusie te bereiken.

De mensen die deze problemen bij het ontstaan hebben, zijn over het algemeen gewend aan voorverpakte amusement, zoals een weersramp, of een incident of verhaal dat door een collega wordt verteld. Ze worden erg laag in hun eigen communicatie, geïnspireerd door hun eigen verbeeldingskracht; en ze worden ietwat geïrriteerd wanneer ze worden geconfronteerd met een 'fantasierijke gesprekspartner'. Dit is ofwel door hun opvoeding en culturele omgeving, ofwel door hun opleiding.

Ontstaan is erg belangrijk om een communicatie tot stand te brengen. In zoverre communiceren deze mensen vooral over onderwerpen die hen door externe bronnen worden aangereikt. Ze zien een nieuwsbericht, ze praten erover; ze worden gebeld over een familieaangelegenheid, ze praten erover. Ze wachten op een uiterlijke omstandigheid om een interactie tot stand te brengen, anders gaan ze niet in door een communicatie te "creëren". Ze hebben ofwel een dwangmatig onweerstaanbare drang om iets te doen, of ze zijn geremd en gedragen zich onhandig en onnatuurlijk in hun communicatie. Als ze erin slagen om mee te doen, keren ze vaak scherp, in de richting van ontsporing van de dialoog, en brengen ze een goede mate van wrok, kwade wil en ongewenste conclusies teweeg.

De mensen die niet van oorsprong zijn, of die zich niet op een creatieve manier bezighouden, zijn inherent afhankelijk van anderen om hen primaire redenen te geven om een gesprek aan te gaan; dit komt doordat we over heel weinig fantasie beschikken. Als resultaat kunnen we concluderen dat voor een aangenaam en boeiend gesprek de deelname vereist is van twee fantasierijke geesten, met dezelfde begiftiging van creatieve impulsen, om wederzijds de kunst van communicatie te creëren.

De beeldende kunst volgt dezelfde principes, aangezien kunst een vorm van visuele communicatie is. De kunstenaar ontwerpt zijn communicatie als een visuele boodschap, door de presentatie van zijn kunst aan zijn publiek. De kwaliteit en de aanwezigheid van dit initiatief dat hij in zijn kunst naar voren brengt, vormt de visuele boodschap die hij aan zijn publiek overbrengt; waarvan de kwaliteit de reactie van zijn toehoorders bepaalt, of hij al dan niet betrokken is. Daarom volgen kunst die veel lijkt op persoonlijke dialogen en gesprekken, dezelfde basisprincipes van communicatie, in succes of mislukking

Een kunstenaar met weinig verbeeldingskracht, die niet verbaal tot stand komt, communiceert ook niet visueel. Hij brengt geen visuele boodschappen voort in zijn kunst, of wanneer hij dat doet, gebeurt het zo weinig dat het geen interactie met zijn publiek oproept. Deze afwezigheid van expressie is voornamelijk te wijten aan het feit dat de kunstenaar sterk vertrouwt op de oorsprong van het publiek - als een externe kracht - om een communicatie tot stand te brengen, in de richting van zijn kunst, die 'stil' is. Er vindt dus geen emotionele interactie plaats tussen het publiek en het schilderij.

Een kunstenaar met een hoge verbeeldingskracht geniet eerder van de virtuositeit die nodig is bij de technische uitvoering van zijn kunst. Zo is hij bekwaam om moeiteloos en krachtig zijn visuele boodschappen op zijn canvas te creëren; een interactie tot stand brengen tussen het publiek en zijn schilderij.

De visuele boodschap hoeft niet voor elke kijker hetzelfde te zijn. De boodschap dient alleen als een visuele of artistieke 'code', die door elke kijker subjectief kan worden gedecodeerd; lijkt veel op een populair muziekstuk, dat veel weerkaatst door te communiceren met de luisteraars - dezelfde melodische toon creëert een andere stemming bij verschillende luisteraars.

De communicatiekwaliteit van een artistieke expressie is dus de bedoeling van de kunstenaar als een draaggolf, waarmee haar boodschap aan zijn publiek wordt overgebracht. De technische expertise waarmee de kunst wordt uitgevoerd, is ook erg belangrijk en soms op zichzelf succesvol; hoewel de kwaliteit van de visuele communicatie altijd hoger blijft dan de technische uitvoering van de kunst. De draaggolf, die de bedoeling van de kunstenaar aan zijn kijkers communiceert, is een fenomeen dat zich voordoet tussen de kunstenaar en de toeschouwer en zich bevindt in de rijken van de geest.

VERBEELDING VS. COMMUNICATIE

Verbeelding is het vermogen of de handeling om ideeën in de geest te vormen en het vermogen om creatief en vindingrijk te zijn. Het vermogen om communicatie tot stand te brengen, staat in directe verhouding tot een goede verbeeldingskracht. Het omgekeerde is nooit waar dat de verbeelding eerst in gevaar moet worden gebracht om ervoor te zorgen dat de verbeelding niet in staat is om gedachten en ideeën uit te drukken. De Abstract schilderij verbeelding wordt gedwarsboomd en afgestompt bij kunstenaars die afhankelijk worden van anderen om hen te bereiken, tot het punt dat ze helemaal niet bereiken. Deze kunstenaars kunnen er dan veel baat bij hebben door het vermogen te herstellen en uitingen van gedachten en emoties te initiëren en zo hun verbeeldingskracht te herstellen ten gunste van het creëren van communicatieve kunst.

De verbeelding is de drijvende kracht achter de behendigheid van de kunstenaar waarmee hij zijn kunst uitvoert en de behendigheid waarmee hij zijn impulsen communiceert als visuele boodschappen. Hoe verfijnder de creatieve impulsen van de kunstenaar, des te duidelijker zijn zijn visuele boodschappen bij het delen van zijn gedachten, gevoelens, percepties en andere creatieve vermogens met zijn publiek. De verbeelding is de belangrijkste oorzaak, die voorafgaat aan de uitdrukking van kunst als haar gevolg; een oorzaak die onbetwistbaar en intrinsiek in de toekomst begint, eerst als postulaat, gevolgd door een gevolg, dat tot uitdrukking komt in een schilderij. Zijn conceptie is superieur aan zijn uitvoering. Zo blijft de kunstenaar, door zijn verbeelding, in de toekomst leven.

In het geval van abstract expressionisme is de kunst het kanaal voor de dialoog, tussen verbeelding en publiek, via de expressie als schilderij. Hoe meer de kunstenaar intiem vertrouwd raakt met de inherente waarheid en de deugden waarmee hij zelf is geschapen, des te vrijer worden zijn fantasierijke impulsen, en des te pittiger kan hij zijn kunst uitdrukken.

Abstract expressionisme, is een echte vrucht van de verbeelding. Verbeelding is de enige vorm van rijkdom, die ons kunst als dividend geeft. De verbeelding is waar de kunst wordt bedacht en ontkiemd. Verbeelding werkt niet met rede, ze probeert niet het fysieke universum als echt of denkbeeldig te classificeren, ze beoordeelt of evalueert dingen niet in categorieën; het bedenkt alleen ideeën en drukt ze uit - meer niet.

De magie van kunst bestaat niet in de uitvoering ervan, of de presentatie van gevoelens en mentale beelden die onafhankelijk buiten de geest liggen. Uitvoering, of presentatie van de kunst, is de technische expertise; de externalisering waarmee de kunst wordt uitgedrukt. De magie van kunst, in het bijzonder moderne kunst, schuilt in het intellectuele bewustzijn van de geest, bij het bedenken en vormen van ideeën. De essentie van de schepping ligt in haar conceptie. Wanneer de kunstenaar de vorming van een conceptueel idee voltooit en het vervolgens in de buitenwereld arriveert in de vorm van een abstract of modern schilderij, heeft de kunstenaar uitdrukking gegeven aan de expressie en is het creatieproces voltooid.

Evenzo, wanneer we een verbale communicatie voortbrengen, zijn de woorden die we uiten uitdrukkingen van ideeën die we al in onze geest hebben bedacht en gevormd, wat er in onze spraak wordt uitgedrukt. Het ligt buiten de grenzen van onze fantasierijke en intellectuele berekeningen, en is onderworpen aan de beperkingen van de fysieke of materiële middelen waarmee ze kunnen worden uitgedrukt; omdat het niet moeilijk is om ons de tijden te herinneren waarin onze gedachten of gevoelens veel mooier waren dan wat we in onze toespraak hebben kunnen uitdrukken. De handeling van het schilderen, het schrijven van woorden, het slaan van het pianotoetsenbord, zijn slechts de interpretaties van de verbeelding op het gebied van denken en geest. Ze bestaan niet op het gebied van esthetische creatie, wat een spirituele bezigheid is.

Een fantasierijk idee heeft een veel grotere reikwijdte dan wat de kunstenaar op canvas portretteert. De uitdrukking, of het nu in de vorm is van abstracte schilderkunst, het zingen van een lied, het schrijven van een gedicht of het componeren van een muziekstuk, is altijd beperkt tot de grenzen en beperkingen waarmee ze kunnen worden uitgevoerd binnen de materiële wereld. Daardoor is het een wijziging van de waarheid die in de verbeelding is bedacht. De omvang van deze wijziging, in hoeverre de uitdrukking de conceptie van het oorspronkelijke idee realiseert en vervult, dat is losgelaten uit de verbeelding, is op dit moment niet meetbaar of volledig bekend.

Een kunstwerk wordt begrepen en gewaardeerd door directe observatie. Tussen de kunstenaar die de kunst maakt en de toeschouwer die erover nadenkt, ligt de magie: expressieve verbeelding. Het zijn onze eigen creatieve impulsen, percepties en herkenning van de esthetische uitingen in de kunst, die ons in staat stellen te ervaren wat ons resoneert van de kunstenaar; en daardoor verwikkeld raken in een tweerichtingscommunicatie met de kunstenaar door zijn kunst; de kunst is een spirituele verbinding met de kunstenaar. Esthetiek, wanneer het volledig wordt waargenomen, verheft ons in het serene rijk van tijdloosheid.

WETEN IS OUDER OM TE BEGRIJPEN

Weten en begrijpen zijn twee van de basisprincipes bij het maken van kunst. Weten is een onderdeel van de verbeelding in de geest, waarin esthetische impulsen worden bedacht en omgezet in artistieke uitingen; een proces dat het beste wordt begrepen door beide te definiëren: weten en begrijpen; en waarom weten boven begrip staat.

Weten is een intrinsieke kwaliteit van de geest, in variabele maten. Weten is een staat van bewustzijn en een perceptie bij het nastreven van een doel. Het vereist geen afhankelijkheid van externe krachten. Weten gaat altijd gepaard met zekerheid, bekwaamheid en vertrouwen. Weten is een staat van gewaarzijn; het is een gegeven staat van kennis. Degenen met grote capaciteiten op een bepaald gebied, hebben vertrouwen en zijn zich er volledig van bewust dat ze het weten, onafhankelijk van externe factoren.

Weten is iets anders dan begrijpen, dat ontstaat door leren. Weten is de verlichting die wordt gevoeld bij het waarnemen van de waarheid. Weten is op zichzelf staand. Het is een bijzondere activiteit die op zichzelf en in zichzelf bestaat. Weten is weten dat men weet. Weten is het vermogen om waar te nemen en het vermogen tot waarheid - het is een zelfbepaalde kennis.

Weten is zelfverzekerdheid, het is zelfvertrouwen. Iets dat zonder moeite bekend is. Het meesterschap in een bepaalde vaardigheid is weten. De fantasierijke impulsen van een kunstenaar die spontaan een abstracte kunst bedenkt, is weten. Weten is het zelfvertrouwen waarmee een taak wordt nagestreefd. Het is een zekerheid in het denken, en bewust inzien dat bepaalde conclusies kunnen worden getrokken. Weten is het werk van de verbeelding bij het bedenken van een abstract schilderij, of het trekken van ogenblikkelijke conclusies over de voltooiing van een kunstcompositie. Weten is het besef van de innerlijke waarheid en de zekerheid dat het door elke echte of ingebeelde barrière kan doordringen.

Aan de andere kant is begrip lager dan weten, omdat het afhankelijk is van de betrokkenheid van externe elementen in het materiële universum om zijn doel te bereiken. Het is het resultaat van onderwijs, als groepsactiviteit waarbij de buitenwereld betrokken is. Door te studeren over prehistorische kunst, of moderne kunst bijvoorbeeld, ontstaat er begrip voor deze twee kunststijlen. Het is niet afhankelijk van onze waarnemingen, of ons bewustzijn van wat van nature van ons is.

Een activiteit die naar begrip streeft, is een potentiële kennis, zoals die wordt verworven, zoals de studie van een modern schilderij. Het vervult zijn doel niet op zichzelf. Begrijpen is iets in een bepaalde richting te weten te komen; zoals piano leren spelen, of een vreemde taal. Het wordt vaardigheid om dingen goed te doen, wat leidt tot weten.

Het vermogen om met vrienden te koken en van lekker eten te genieten, is begrijpen hoe o koken en entertainen. Het vermogen om een stuk moderne kunst te schilderen, is een begrip van de kunst zelf. Het vermogen om prachtige bloemen te kweken en deze met onze buurman te delen, is begrip van tuinieren en het creëren van goede wil. Het vermogen en de competentie om een succesvol gesprek met iemand te voeren, is inzicht in goede communicatieve vaardigheden. Begrip is het universele oplosmiddel. Begrip brengt vrede en harmonie tot stand. Het kan dingen wegwassen.

Op het gebied van kunst brengen externe bronnen van referentie, gebruikt als nabootsing of imitatie, de integriteit van verbeeldingskracht, ideeën, gedachten en concepten in gevaar; en zo wordt de kunst onrein, wanneer deze wordt gecreëerd door begrip en vertrouwen op externe krachten. Kennis, puur uitgedrukt van binnenuit, door de geest en de geest, is hoe de kunstenaar nieuwe abstracte vormen baart. Abstracte kunst is een voorbeeld van het ontstaan van communicatie naar de kijkers als een pure presentatie van zelfexpressie.

VRIENDELIJKHEID IN DE MODERNE KUNST

Pure creatie van beeldende kunst, zoals abstracte schilderijen, is een emotionele activiteit die alle rationele gedachten of redenen overwint, aangezien het zichzelf vervult door een spirituele reis naar tijd, beweging en ruimte, met licht, kleur en vorm. Het is een staat van bewustzijn die de meest aangeboren essentie van de verbeeldingskracht en analytische krachten van de kunstenaar oproept. Hoe hoger het bewustzijn en de helderheid waarmee hij waarneemt, des te hoger zal de veelzijdigheid en bereidheid zijn waarmee hij presteert langs de verschillende facetten van het leven.

Johannes Itten (1888-1967) was een van de belangrijkste docenten moderne kunst aan de Bauhaus-school in Duitsland, wiens onderwijsfilosofie verschillende grote kunstenaars van de 20e eeuw heeft voortgebracht. De principes van Itten brengen een groter en dieper begrip en waardering van de waarden aan het licht bij het verwerven van aanvullende vaardigheden in het veld, buiten de kunsten. Hij geloofde dat studies en meesterschap op gebieden als filosofie, tuinieren, landschapsarchitectuur, naaien, houtbewerking, enz. Nodig waren voor het ontwikkelen van persoonlijke interactie en directe ervaringen met de natuur. Volgens Itten speelt het begrijpen van het leven, zijn structuur, vormen en texturen een belangrijke rol bij het ontwikkelen van iemands creatieve impulsen. Hij geloofde dat breed verworven behendigheid essentieel was bij het bekwaam uitvoeren van kunst door middel van herinnering en inspiratie. Itten '

"Als nieuwe ideeën een artistieke vorm willen aannemen, moeten fysieke, sensuele, spirituele en intellectuele krachten en vermogens allemaal even beschikbaar zijn en samenwerken." - Johannes Itten

Hans Hofmann (1880-1966), een Duitse kunstenaar, die in zijn jeugd in Parijs woonde, en beschermheer was van de Franse avant-gardebeweging. Zijn vrienden waren op indrukwekkende wijze Matisse, Miro, Picasso en Bracques. Hij evolueerde door de revolutionaire periode van de westerse kunst begin 1900, en later, toen hij naar Amerika emigreerde, werd hij goed beschouwd als de vader van het abstract expressionisme. Hofmann leerde de zeer effectieve benadering om zijn studenten aan te moedigen om binnen hun eigen ervaringen te verkennen, om artistieke handtekeningen te ontwikkelen die uniek zijn voor henzelf; en de natuur alleen als referentie raadplegen. Hij verwoordt dit concept gedeeltelijk als volgt:


"De natuur is doordrongen van ritme waarvan de verscheidenheid niet kan worden beperkt. De
kunst imiteert het in dit opzicht, om zichzelf te verhelderen en daardoor
dezelfde mate van verhevenheid te bereiken, zichzelf verheffende tot een staat van meervoudige
harmonie, een harmonie van kleuren die op het ene moment en
het volgende weer tot heelheid hersteld. Deze synchrone actie moet worden
beschouwd als het echte en enige onderwerp van de schilderkunst. " - Hans Hofmann
Door zijn techniek van duwen en trekken bewees Hofmann dat de illusie van diepte, ruimte en beweging abstract kan worden gecreëerd, door het gebruik van kleur en vorm, zonder representatieve beelden. Zijn leer was zeer invloedrijk in de vooruitgang en de ontwikkeling van het abstract expressionisme, vooral in termen van zijn filosofische wijsheid, dat de natuur de grootste kunst en kunstenaar is en dat het er niet is om te worden geïmiteerd maar om te inspireren.

HET MOMENT VAN OORDEEL

De kunstenaar bedenkt zijn esthetische ideeën in zijn verbeelding en zet ze om in schilderijen. Zijn schilderijen dragen een visuele boodschap over en communiceren die naar zijn publiek. Deze schilderijen zijn zijn artistieke performance waarmee hij over zichzelf vertelt. Zijn kunst zou puur voor zijn publiek gemaakt moeten worden, zonder dat er rekening wordt gehouden met mogelijke kritiek van de critici. De emotionele reacties van mensen zijn de enige besluitvormers of de kunst al dan niet succesvol is, gebaseerd op de kwaliteit waarmee de kunst aan hen communiceert.

Om u volledig van alle mysteries te ontdoen, met betrekking tot de herkenning van een succesvol kunstwerk, ligt hier een eenvoudige zuurproef door middel van een Aziatisch verhaal: een oude Chinese dichter wiens gedichten prijzenswaardig door het hele land werden gelezen, had een eenvoudige test om te verzekeren de acceptatie van zijn publiek. Elke keer dat hij een gedicht schreef, onderzocht hij de populariteit ervan in zijn stad. Hij bracht het naar een oude bloemenvrouw die hij kende op het stadsplein en las het haar voor. Als ze het leuk vond, publiceerde hij het; en als ze dat niet deed, gooide hij het weg en schreef een nieuwe. Zijn zeer doordachte en wijze conclusie bij het uitvoeren van dit onderzoek was de volgende: dat als zijn gedichten werden begrepen en gewaardeerd door een boerin op het dorpsplein, ze ook populair zullen zijn bij zijn lezers. Hier ligt dus de eenvoud waarmee een alom succesvol en puur kunstwerk zijn essentie moet communiceren.

Het punt hier in termen van beeldende kunst is dat een succesvol kunstwerk, of het nu representatieve kunst of abstracte kunst is, emotioneel moet raken aan mensen die het zien, en een bewuste reactie teweeg moet brengen die ervoor zorgt dat ze het schilderij gaan begrijpen en begrijpen. . Als ze het begrijpen, praten ze erover, nemen er deel aan en stoppen er een deel van zichzelf in, om het voor zichzelf te voltooien als hun eigen kunstwerk.

De Chinese 'bloemendame' is de zuurtest voor elk goed kunstwerk, die alle esoterische geclassificeerde drogredenen teniet doet, samengesteld door de 'experts' die pontificeren dat een bepaald soort ingewikkelde 'kennis' of 'expertise' een vereiste is voor het publiek om kunst te begrijpen en te waarderen, vooral abstracte kunst. Niets is minder waar. De simpele waarheid is deze: de instinctieve en ogenblikkelijke puls van vreugde van elke individuele kijker die hij voelt en voelt als hij door zijn hart slentert, als reactie op het plezier dat wordt veroorzaakt door het bekijken van de kunst, is de ultieme rechter; de toeschouwer erop attent maken dat hij zich in de aanwezigheid van een geslaagd kunstwerk bevindt - en niet meer.

KUNSTEN: EEN GEESTELIJKE REIS

"Kunst is groter dan wetenschap, omdat de laatste voortschrijdt door moeizame accumulatie en voorzichtig redeneren, terwijl de eerste haar doel tegelijk bereikt door intuïtie en presentatie; wetenschap kan goed overweg met talent, maar kunst vereist genialiteit." - Duitse filosoof, Arthur Schopenhauer (1788-1860)

Zuiverheid van levenskracht of geest behoort tot geen enkel deel van het fysieke of materiële universum. Het heeft geen massa, geen vorm, geen locatie in de ruimte, geen energie en geen beweging. Het verblijft in het rijk van de geest; en dat is niet religieus, maar spiritueel gesproken.

Hoe meer intellectueel en spiritueel begiftigd is de kunstenaar, des te krachtiger zal zijn demonstratie en uitdrukking van zijn ideeën zijn. De helderheid van zijn concepten houdt rechtstreeks verband met het niveau van zijn bewustzijn en zijn bereidheid om het leven onder ogen te zien. Hoe meer zuiverheid, vitaliteit en bewustzijn de esthetische geest van de kunstenaar bereikt, des te intelligenter, krachtiger en gevoeliger zullen zijn artistieke uitingen zijn. Abstracte kunst, in zijn puurste vorm, wordt uitgedrukt door de ziel.

De interactie van de kunstenaar met zijn doek, wanneer hij schildert, is een ontzagwekkende tijd waarin hij zich volledig vrij voelt, van de zorgen van het materiële universum; als hij de sublieme wereld van spiritueel bewustzijn betreedt. Een staat waar, volgens Schopenhauer, de zon hetzelfde kan worden bekeken, vanuit een gevangenis of een paleis. Het is dit niveau van verhevenheid dat het leven doordrenkt met een betoverende schoonheid; door esthetische kwaliteit aan ons lijden toe te kennen, waardoor we onze pijnen van een veel grotere hoogte kunnen zien.

Kunst brengt sereniteit en kalmte in onze ruimte. Het maakt onze relaties menselijk. Het kalmeert onze geest en ziel. Kunst overstijgt ons van de kwellingen van de vergankelijke en de materiële wereld door de oneindigheid in ons zicht te plaatsen. De beste kunsten spreken zowel ons intellect als onze emoties aan. Het magnifieke kunstveld verheft de cultuur en geeft de mens een pracht van vrede en vreugde om tot leven te komen.

Als de esthetische geest gezuiverd en gezuiverd wordt van zijn onzuiverheden en misvattingen, begint hij meer het oneindige niveau van bewustzijn en kennis in zijn puurste vorm te naderen; een opstijging, die de esthetische geest dichter bij de eeuwigheid brengt; een bewustzijnsniveau dat instinctief kenbaar is voor degenen die een hoger bewustzijnsniveau hebben bereikt; een niveau, waar de esthetische geest moeiteloos door verre tijden en plaatsen kan reizen, om fantasierijke goddelijke souvenirs terug te brengen in de vorm van kunst.

Copyright 2007, Iran Lawrence. Alle rechten wereldwijd voorbehouden.

Iran Lawrence, is een ontvanger van de University of Delaware Presidential Citation voor uitstekende prestaties voor het tonen van een grote belofte in haar professionele en openbare dienstverlening. Ze gedijt op een overvloed aan vaardigheden en knowhow die ze sinds haar jeugd heeft opgedaan bij vele meesters over de hele wereld. Ze was al een volleerd kunstenaar toen ze naar de University of Delaware, College of Business and Economics ging en in 1979 afstudeerde met een BS-graad in economie. Later behaalde ze een MS-graad in interieurontwerp aan de Drexel University, Nesbett College of Design Arts, gevolgd door een MFA-beurs voor Temple University, Tyler School of Art. Haar suggestieve abstracte schilderijen brengen een ongrijpbaar samenspel van gloeiende kleurvelden over die warmte, schoonheid en rust uitstralen. Als een veel gepubliceerde en geëxposeerde multidisciplinaire kunstenaar,

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *